Naufragio cotidiano

Shoes and so...

Diamond dust, Andy Warhol, 1980

Botas de campesino, Van Gogh

Encuentren la diferencia...
no será, acaso, la pérdida de referente por la "absurda" repetición y la tendencia a la formalización de Warhol? Van Gogh nos permite pensar y hacernos preguntas, mientras que Warhol no...
o eso dicen Baudrillard, Eco, Jameson & Cía.

Pues a mí, esta era de los medios de masas, me parece que está creando divinamente...un buen ejemplo es, por no repetirme, Mad men.

Artistas altermodernos

Nicolás Bourriaud propone llamar a esta nueva época altermodernidad y la concibe como una sucesión de múltiples individualidades, lo que entronca su pensamiento en el rizoma de Deleuze y nos hace pensar en la postpoesía de Mallo.

Bourriaud fue comisario de la exposición "Altermodern" en 2009 en la Tate de Londres y nos presentó su visión de la realidad no ya como un continente sino como un archipiélago en que se establecen conexiones entre cada isla o islote.

Es una propuesta de tiempo y espacio globalizados, en que las raíces de las que se bebe no son ya jerárquicas, es decir-, superiores; sino que están en el mismo plano que el autor. Esto es rizoma: bidimensaionalidad en un espacio infinito en que el artista se mueve como un nómada pasando de unos nudos a otros por fluctuaciones de fuerzas como por una red de conexiones.

El gran precursor es Duchamp -pensar en el concepto de fragmento-, aunque hay otros muchos. Sin embargo aquí nos interesan los altermodernos para saber, exactamente, cual es la propuesta en términos estéticos -consideremos que Javier Panera incluye a Lady Gaga-.

Shezad Dawood

Rachel Harrison

Walead Beshty

Franz Ackermann

Katie Paterson

Simon Starling

Mata Clark & Rirkrit Tiravanija

Navin Rawanchaikul

Pascale Marthine Tayou

Subodh Gupta

Heri Dono

Sooja Kim

Apropiacionismo multicultural: Morimura

Os presento a Yasumasa Morimura, un artista de finales del siglo pasado que trabaja con las dualidades identitarias: mujer-hombre, occidente-oriente, tradición-contemporaneidad, etc. 

Su obra consiste en una mascarada apropiacionista. Me explico: Morimura se disfraza de grandes iconos pictóricos y sociales de Occidente -también de Mao-, a fin de hacer una reflexión sobre la cuestión de la construcción de la identidad, de su institución y la posterior exigencia. No hay mujer más mujer que una actriz porno. No hay negra más negra que la que tiene el culo gordo. ¿No es esto así? Marilyn, el Ché, Manet, Renoir,  Kahlo, Goya...todos remakeados para que nos enfrentemos a esas construcciones, a esos iconos que aseguran nuestra occidentalidad. Lo mismo que ya hiciera Cindy Sherman para cuestionar el rol femenino y para generar un extrañamiento ante esas identidades. De hecho,  Morimura es la tercera entrega de la saga porque él parte de Sherman. De hecho, es a partir de la visión de obras de la artista que él hace su arte; porque un primer remake ya te hace leer el "original" de distinta manera.

El yo y el otro.

Pero, mantener esta dualidad, aunque sea para ensalzar al otro, no mantiene la diferencia?

¿No es la destrucción de las identidades y la afirmación de las múltiples diferencias una tarea a acometer?

Ahora veo a Deleuze en todas partes.

Damien Hirst & Co.

Hirst es el más prominente componente del grupo de los Young British Artists: un grupo de artistas visuales de corte conceptual que empezaron a exhibir en Londres en 1988 en fábricas y otros lugares. En el grupo destaca su capacidad/interés/facilidad para destacar en virtud de una técnica de choque. Se trata de utilizar materiales, temas, elementos inesperados que dejen al espectador-galerista-coleccionista-etc. "noqueado".

Hirst organizó la primera exposición: Freeze, en un edificio abandonado de un puerto y, en 1990, fue el East Country Yard Show, organizada en una antigua fábrica de galletas de nuevo por Hirst,y Billee Sherman y Carl Freedman.

El coleccionista Saatchi fue quien impulsó al grupo, especialemnte a Hirst y a Tracey Emin, la artista más importante junto a Hirst. Podemos destacar del primero su famosa Imposibilidad física de la muerte en la cabeza de alguien vivo(1991) y del segundo Mi cama (1998).

Tracey Emin en 2007

Damien Hirst

La obra de Hirst es, para que nos entendamos, un tiburón metido en formaldeido dentro de una vitrina. Hay mucha gente que no conoce al autor, pero todo el mundo conoce su tiburón. Visualmente es sorprendente, claro, tiene una envergadura considerable: 213x518 cm. Pero por lo que es más famoso es por el dinero que costó. Esa parece ser la estrategia de Hirst. El contraste título-imagen es, para mí, apasionante. La obra en sí no me merece tanto respeto. Pero sí la idea - y eso es lo que vendemos aqui-. La muerte es la nada. Tras muerte no hay mente, no hay yo, la identidad se diluye en un magma. Muerte aséptica-vida aséptica. Apariencia de vida-engaño. 

 La obra de Emin, en cambio, se trata de todo lo contrario: un objeto de uso cotidiano que adquiere un estatus de obra de arte al ser expuesto en una galería rodeado de los propios desperdicios de la artista: desde condones, tabaco y papeles, hasta compresas con sangre. Se trata pues, no solo de tomar un bote de sopa y ponerlo en un museo, sino de poner mis propios desperdicios, -como con la Mierda delartista, quizás- en un museo. La pregunta es la de siempre: una tomadura de pelo o una vuelta de tuerca al sistema? Hay aquí vanguardia? Hay aquí protesta contra el sistema? Resulta dudoso en base a los precios que llegaron a alcanzar estas obras...

Esta cama me recuerda esta otra:

Robert Rauschenberg, Bed, 1955

Y, por Danto, a esta otra:

Claes Oldenburg, Conjunto de habitación 1963 (1/3) (como fue instalada en el Whitney Museum of American Art, New York, 1974)

Se trata de objetos reales, de la vida común, tomados como arte. Oldenburg tan sólo cambia dimensiones y pone así en perspectia. Rauschenberg mancha y cuelga en la pared. Eso es todo. Pero es arte. Por qué? Porque no sólo cuenta lo que tienen de real sino ese plus que las hace obras de arte, y ese plus es estar introducidas en el mundo del arte. Aunque, efectivamente, ese mundo del arte lo definen los artistas -entre otros-, luego este argumento es ad finitum. ¿Por qué es entonces arte? [Ver artículo de Danto "El mundo del arte"]

Hirst es conocido también por obras como ésta-conocida pro su elevado coste también-:

For the love of god (2007)

Ésta es bien sugerente porque nos lleva directamente al Barroco, a las Vanitas. Pero eso ya lo hablamos otro día. Buenas noches.

Remake, versión, apropiación

1. "Apropiaciones indebidas" del blues

 

2. MÚSICA HEDONISTA VS. ROCK CULTO

3. Relecturas de un mito sexual

Canogar figurativo

Como cuenta Victor Nieto en Rafael Canogar. El paso de la pintura, al pintor se le coló -como por un descuido, pienso yo- la figuración al final de los sesenta y en los años setenta hasta 1975 entre sus producciones artísticas. El lenguaje informalista parecía agotado y se decantó de nuevo por una cierta mímesis. Así, creó las obras que más me entusiasman de él. Obras dedicadas a la angustia, a la violencia, a la represión, a la censura. Obras que, en España, parecían dirigirse directamente contra Franco, pero que -como Nieto recalca repetidamente- no hacen más que reflejar un espíritu universal, como hiciera el informalismo. Así se legitima un arte.

Canogar pierde el color en esta etapa y los fondos de convierten en meros planos lisos, que resaltan las figuras fragmentadas que salen del plano mismo. Así focaliza nuestra mirada sobre lo importante. En ocasiones, hay sombras atacantes que rodean las figuras. Meras sombras. Lo importante son esos cuerpos que se elevan ante nuestros ojos maniatados, callados, mutilados, rotos. 

Pintura, 1975

La familia, 1968

Canogar junto a uno de sus Encarcelados

Esto sí que lo entiendo y no el informalismo: seré demasiado pedestre para tanta espiritualidad. Conmigo no debe ir la trascendencia.

El montaje: Peter Bürger

Para Peter Bürger en Teoría de la vanguardia el montaje es el elemento esencial de la vanguardia. No tanto como en el cine, que es necesario, obligado por el carácter del material; sino como en el collage cubista o el fotomontaje más bien dadá. Obras o, mejor, producciones, artefactos, que ya no tratan de representar lo real, de imitarlo, sino que quieren hacer evidente que "hacen" arte. Por ello no se preocupan por encubrir el montaje de los fragmentos que componen su producción. Porque su intento es, precisamente, destruir ese concepto de arte y no sólo un tipo de arte, sino toda la institución-arte. Esto es, todo el complejo de producción, difusión y recepción que rodea a las obras de arte y que está gobernado por la "burguesía", condenada al esteticismo. 

La evidencia de los fragmentos se hará total en el arte encontrado, personificado en el singular Duchamp. E incluso seguirán teniendo sentido las neovanguardias, siempre y cuando no sean absorbidas por el sistema; lo que desgraciadamente ocurre a la vuelta de la hoja. Por lo tanto, utilizar la técnica neovanguardista ahora no es más que un acto conservador involucrado en el mercado capitalista.

Lo que yo decía, vamos.

Jeje.

Braque

Picasso

Duchamp

Hausmann

Hausmann

Heartfield

Heartfield

Schwitters

Picasso

Schwitters

Schwitters